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「君の名は。」:泣けない私小説こそ究極の私小説なのだ [タイトル:カ行]

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新海誠監督の映画『君の名は。』が大ヒットしている。






デビュー作から追いかけてきた監督のブレイクは嬉しい半面、戸惑いもあって劇場に足を運ぶのが遅れた。

やっと観た『君の名は。』は期待通りのものではなかったが、素晴らしいクオリティだったと思う。

とかく背景美術の美しさが評判になる新海作品らしく、そこは安定の新海クオリティ。

それに加え本作では、今まで背景の一部に埋没することすらあった「人物の作画」が段違いに素晴らしい。

やはり『あの花』『心が叫びたがってるんだ』の田中将賀のキャラクター・デザイン参加が大きいのだろう。



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アニメのキャラクターという架空の人物をデザインすることは、人柄を造形するということで、ここが変われば映画全体の動きが変わってくる、というわけだ。



音楽のことにも触れないわけにはいかない。

RADWINPSのバンドサウンドと、野田洋次郎の声の力が、サウンドトラックの域を超えて物語をドライブしている。まるで現代の『さらば青春の光』じゃないか。



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しかしまあ、映画が売れるかどうかはどれだけ宣伝に金をかけてもらえたか、という要因もある。

また、長年かけて日本の年中行事として定着した感のある宮崎アニメ市場だが、宮﨑駿引退以降のジブリが規模も縮小に向かい、後継の監督も育たず、作品もなかなか話題にならない。

そんな中で、極端な萌え指向の近年のテレビ放映アニメが続々劇場版化して賑わうばかりで、せっかくジブリが醸成した安心して見られるアニメ映画を探している層にアピールできる作品が『君の名は。』と『聲の形』しかなかったいう外的要因も見逃せない。



つまり、ジブリ映画の「おとなも楽しめる」という属性をうまくリプレースできたということだろう。

本作『君の名は。』ではジブリ出身のアニメーターが多く作画に関わってはいるが、とは言え、宮崎駿、新海誠に関して言えば、この二人のクリエーターの作風はずいぶん違う。



新海誠は『星を追う子ども』という作品を作ることで、宮崎駿へのリスペクトを表明している。



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この作品を僕は北海道大学映画館プロジェクトというイベントで先行試写されたものを観ているが、一見して「宮崎アニメの劣化コピー」という趣で感心しなかった。

宮崎駿は、例えば『借りぐらしのアリエッティ』の中で、心臓病で静養している少年に、ベッドで『秘密の花園』を読ませることで、その少年の親への不信や心細さを表現するようなやり方をする作家だ。



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対して新海作品にあっては、そのような心の声こそが映画の主題なのであって、だからモノローグを多用して作品の骨組みを支えるという作風。

培ってきた方法論がまったく違うのだから、舞台だけ整えてもハマるわけがない。



宮崎駿作品は「世界観」という言葉で、新海誠作品は「作家性」という言葉で語られる事が多い。

宮崎駿が物語の中に世界を構築する物語作家で、新海誠が作品の中に「ワタクシ」を表象する私小説の作家であるという意味だと僕は思っている。

新海映画を観る時、スクリーンという名の「第四の壁」は僕ら自身の心を映す鏡となって、未熟な頃に犯した過ちや、いまだにあの時どうすればよかったのかわからない悔悟を突きつけるのだ。



そのような私小説としての新海映画の最高峰というなら、僕は迷わず「言の葉の庭」をあげよう。






あまりにも剥き出しに語られるモノローグが、鋭く尖らせた純粋さというナイフの輝きと化して、隠していた自分の本心に突きつけられて、観る度に激しく動揺してしまう。

動揺した心は容易(たやす)く映画と同化して、僕は主人公秋月孝雄自身になってしまい、だからこそラストシーンで、年上の、しかも教師という立場から隠しておいた本心を打ち明ける雪野百香里の慟哭にまで、まるで当事者の気持ちで心揺さぶられてしまうのだ。

そして泣きの演技をさせれば当代一の花澤香菜さんの名演が、その揺さぶりを最高速まで加速する。

観ている側のこちらまで慟哭させられ、もうなすすべもない。



そしてその雪野百香里である。

ゆきのゆかり、は「雪の明かり」を連想させる。

そうだ、これは『秒速5センチメートル』で、激しい雪の中、遅れる電車でやってきた遠野貴樹と邂逅する篠原明里(あかり)ではないのか。

幼い恋を成就させられなかった明里が、新海誠の作品世界で異なるイデアの投射として造形され、またしても幼い恋心に翻弄されながら今度こそ本心を伝えられたということではないのか。

新海誠の作品世界を心から愛する一人のファンとして、僕はそのように受け止めている。

もちろん個人的な思い込みに過ぎないが、個人的でない作品鑑賞にいったい何の意味があるというのか。



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と、開き直っておいて、『君の名は。』である。

糸守の高校で古文を教えている「ユキちゃん先生」はもちろん雪野百香里先生である。(パンフレットにもそう書いてある)

が、『言の葉の庭』の雪野百香里は東京で教鞭をとっていたのが、生徒とのトラブルで四国の実家に帰っていったはずで、その後縁あって飛騨の糸守で教職に復帰できたということだろうか。



そう考えると、『言の葉の庭』では生徒とのトラブルで東京での教師生活を全うできなかった雪野百香里が、彼女の愛した万葉文化の残る糸守という地で、ユキちゃん先生として生徒に慕われながら授業をやっている様子は、 わずか数分ではあったが、だから僕にとってのクライマックスであった。

よかった。

本当によかったなあ。





そして『君の名は。』には、これ以外のシーンで、私小説的なエートスが登場しない。

言葉よりは心の赴く方向感に忠実な本作の主人公、立花瀧の純情は、物語のサスペンス的展開を加速するエネルギーに転換されて胸の裡にとどまらないからだ。



だから、新海映画のシグニチャーとも言える「モノローグ」もほぼ登場しない。

この部分を指して、「新海の作家性が損なわれた」とする論評もみかける。

が、『秒速』と『言の葉』を見比べてみれば、『言の葉』では『秒速』に較べ、終盤にいくほど徐々にモノローグが減っていく演出が施されているのがわかるだろう。

これによって、心の傷が秋月孝雄のものから僕ら自身のものへと感じられるようになっていくのだ。

演技や台詞に託して心情を表現する方向にシフトしながら、究極の新海流私小説を描いてみせたのである。

そして『君の名は。』では、それをさらに一歩前に進めていると思う。



彗星のもたらすディザスターと、時空を超えた精神交換(=交感)を絡めて、「日常」を守るための壮大なSF的スペクタクルを設(しつら)えながら、最終的にもっともハラハラするのが、二人が再会できるのか、という脚本の運びになるというのが新しくも実に新海的である。



新海作品のファンは、デビュー作『ほしのこえ』で遭難してしまった長峰や、『雲のむこう、約束の場所』で、夢から覚める代償として浩紀への想いを忘れてしまった沢渡佐由理を、そして結局結ばれなかった『秒速5センチメートル』の貴樹と明里を思って、

「今度こそ、今度こそ」

と、映画館で強く願ったはずだ。

手に汗を握って祈ったはずだ。



映画『君の名は。』はその時、スクリーンの「第四の壁」を超えて、僕ら自身の私小説であったのだ。



映画でしか表現できない真の「私小説」に、とうとう新海誠は辿り着いたんだと思う。

究極の泣ける映画『言の葉の庭』の後に作られた、「泣けない」新海誠。

これもいい。


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